ARTÍCULO 1
Nacionalismo revisitado en el Festival Mono Núñez
Por: Hernando José Cobo Plata. Centro de Documentación Musical de Ginebra - CDMG- Fundación Canto por la Vida
Resumen
Este artículo hace parte del trabajo de tesis de magister “Configuración del Género Música Andina Colombiana en el Festival Mono Núñez”, investigación que se realizó sobre el acervo documental de este Festival. Se pone en constante juego crítico la doxa institucional del evento que desde lugares de poder hegemónicos define los carácteres simbólicos de nación y nacionalidad con que históricamente, de forma denotativa y connotativa, se ha cargado este género, seleccionando y adecuando sus elementos estéticos desde una perspectiva ideológica particular y con esto, licitando su puesta en escena en el espacio del FMN; esto, contextualizado en la historia del país en el último tramo del siglo pasado y los primeros años del presente, con los imaginarios desterritorializados y contrastantes de nación en épocas de globalización y posmodernidad.
Abstract
The article is part of the Masters thesis entitled: “Configuration of the Colombian Andean Music Genre in the Mono Nuñez Festival”. The research was based on the documentary archives of the Festival. The analysis explains how the structure of the Mono Núñez Festival has been used to define the symbols of the nation and the nationalism attached to the bambuco, the national music genre of Colombia. The analysis is framed in the history of the country of the last part of the 20th century and the first decade of the 21st century, and in the contrasting and de-territorialized imaginaries of the nation in an era of globalization and posmodernity.
Palabras claves
Género, tradición, autenticidad, nacionalismo, doxa, ideología.
Geopolíticas del conocimiento en la educación musical universitaria en Colombia
Por: Juan Sebastián
Ochoa Escobar. Profesor del Departamento de Música de la Pontificia
Universidad Javeriana
Resumen
A partir de un estudio de los programas de las carreras de música en el Conservatorio de la Universidad Nacional, la Universidad Javeriana y la Universidad Distrital (con su facultad de artes conocida como la ASAB), el presente texto explora las distintas valoraciones que se establecen entre los conocimientos producidos en el norte global (principalmente europeos y en cierta medida norteamericanos) y los conocimientos locales. Para ello, trataré de dirigir la argumentación apelando a la categoría de geopolítica del conocimiento como una consecuencia de la colonialidad y la poscolonialidad, la cual me permitirá evidenciar las diferentes jerarquías que en el sistema mundo actual se le da a las distintas formas de conocer dependiendo de su lugar de procedencia.
Mi argumento a lo largo de este texto será que en la educación musical en Colombia creada bajo las lógicas del conservatorio (para la cual los programas del Conservatorio y la Javeriana son paradigmáticos, y el programa de la ASAB una excepción), el plantear como objetivo primordial alcanzar “estándares internacionales” ha implicado, necesariamente, la negación y profundo desconocimiento del contexto musical local. Por lo tanto, si no se cuestiona y cambia el objetivo no hay forma de que se subsane la debilidad.
Abstract
Based on the analysis of three university music programs in Bogotá (Universidad Nacional, Universidad Javeriana and Universidad Distrital), the article aims to explore the assessment of music knowledge produced in the north (mainly Europe and North America) and produced locally. The discussion will be based on the concept of geopolitics of knowledge, which is a consequence of coloniality and poscoloniality.
The main idea throughout
the text is that the programs at the Universidad Nacional and Universidad
Javeriana were created under the logic of the institution of the conservatory.
On the other hand, the program at Universidad Distrital was created
to prioritize local music. Therefore, the search for international standards
in the first two programs has implied the negation and deep unfamiliarity
with the local music context. In that way, the model needs to be questioned
in order to overcome the weakness of valuing first world music knowledge
over local music knowledge.
Palabras claves
Educación musical, geopolíticas del conocimiento, colonialidad, poscolonialidad, conservatorio.
ARTÍCULO 3
Bandas de música en Colombia: la creación musical en la perspectiva educativa
Por: Victoriano Valencia Rincón. Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica Nacional de Colombia y candidato a Magister en Composición de la Universidad EAFIT de Medellín
Resumen
Las bandas de vientos en Colombia son reconocidas históricamente por su aporte en la producción y circulación de repertorios y estilos, la formación de sucesivas generaciones de músicos y la construcción de proyectos colectivos y sentidos de pertenencia en las comunidades. Esta trascendencia musical y social de las bandas ha contribuido en la construcción de un importante segmento de la política del Estado en torno a la música, reflejada en programas del orden municipal, departamental y nacional, como es el caso del Plan Nacional de Música para la Convivencia del Ministerio de Cultura, el cual ha venido impulsando la consolidación del modelo banda‐escuela en los distintos municipios del país.
En este artículo se
abordan diversos factores que han incidido en el proceso de construcción
de dicho modelo por alrededor de 200 años y que contribuyen a leer
la dinámica actual de las bandas en Colombia y su perspectiva. Como
entrada al análisis se observa la transformación de las bandas de
su funcionalidad militar al servicio social; posteriormente el papel
de la banda en la circulación y producción de repertorios regionales
que son patrimonio sonoro y fuente de formación musical; más adelante
los antecedentes nacionales, el impulso del Estado y los enfoques pedagógicos
del modelo banda‐escuela; y, finalmente, se explora en la producción
de repertorios para la consolidación de la misión educativa de las
bandas de vientos como estrategia para el desarrollo musical, social
y cultural del país y el continente.
Abstract
Wind Bands in Colombia are historically recognized for their contribution to the
production and distribution of music repertoires and styles, to the
education of future generation of musicians, to the construction of
collective projects, and to the appropriation of music in the
communities. Because of its importance, public policy regarding music
has supported the promotion of wind bands through programs at the local,
regional, and national levels. For example, the National Plan
of Music of the Ministry of Culture aims to promote a model of
bands and schools in different municipalities of Colombia. The article
presents diverse factors that have influenced the construction of such
model in the last two centuries. These factors help to understand the
current dynamics of the wind bands in the country and their perspectives.
The analysis begins with the transformation of the bands from the military
function to the social service. Second, the role of the band in the
production and distribution of regional repertoires that serve as music
patrimony and source of music education. Third, the support of the state
and the models of bands and schools. Fourth, the production of
repertoires as part of the educational mission of wind bands which is
the musical, social, and cultural development of the country and the
continent.
Palabras claves
Palabras claves: Banda de viento, educación musical, repertorio para banda, desarrollo musical y social.
ARTÍCULO 4
Por: Jaime H. Quevedo Urrea. Biblioteca Nacional de Colombia - Centro de Documentación Musical
Resumen
La experiencia que
iniciamos con la entrevista audiovisual que se publica en este número
de la revista, nos ha permitido hacer un registro sobre las trayectorias
y experiencias del maestro Manuel Bernal Martínez, como músico, intérprete,
pedagogo, creador, investigador y constructor de instrumentos,
en particular sobre su colección de bandolas, una actividad que se
integra sólidamente a las motivaciones que han rodeado sus más comprometidos
intereses personales y profesionales de una manera muy especial con
la creación y la interpretación musical a través de la bandola.
El maestro Manuel,
describe casi cronológicamente y con un detalle cuidadosamente documentado
en su trabajo de investigación, cómo estos instrumentos se convierten
en narradores de la historia de la música que pasó por las bandolas
andinas desde el siglo XIX hasta nuestros días y a su vez, cómo pasaron
por la música enlazando compositores, obras, intérpretes, eventos
musicales, actividad social, cultural, comunicativa, industrial y un
sinnúmero de rituales que han hecho de las músicas y las bandolas
andinas un rico relato sonoro.
Las evoluciones técnicas y científicas aplicadas a la construcción de instrumentos así como el enriquecimiento técnico y estético que han hecho de la bandola y todos los instrumentos ancestralmente asociados una familia sonora, una entidad que ha desarrollado repertorios y estructuras particularmente diferentes y complejas en su género.
Abstract
The experience started with the audiovisual interview published in this issue of the journal, has allowed us to register the trajectory and experiences of Professor Manuel Bernal Martinez, as musician, performer, pedagogue, composer, researcher and luthier, and in particular, about his collection of bandolas. This activity tightly integrates all those motivations which have surrounded his most committed personal and professional interests, involved (in a very special way) with the creation and musical interpretation through the bandola.
Professor Bernal’s, research describes almost chronologically and with a carefully documented detail, how these instruments become narrators of the
history of music that passed through the Andean bandolas from XIX century until today. In addition, it shows how bandolas transformed music, linking composers, performers, musical events, social, cultural, communicative, and industrial activities, and a significant number of rituals that have made from the music and from the Andean bandola, a rich sonorous narrative.
The technical and scientific developments applied to the construction of instruments, as well as the technical and aesthetic enrichment that have made the bandola and all the instruments, ancestrally related, a sonorous family, an organization that has developed repertories and structures, particularly different and complex, on its sort.
Palabras claves
Bandola andina colombiana, construcción de instrumentos, constructores de instrumentos, bandolistas, colección de bandolas.
NUEVAS MANOS
Sola camisola: ¿somos la música que hacemos?
Por: Diana Carolina Vanegas Sánchez
Resumen
En este ensayo cuestiono las relaciones que se establecen entre los constructores y consumidores del arte “occidental” y las expresiones culturales de los afrodescendientes del litoral Pacífico colombiano. Con base en el análisis del camino que ha tenido una obra musical, Sola Camisola, desde su origen chocoano hasta los espacios institucionales de la música coral occidental; sostengo que hay una desfiguración del significado cultural y el contexto histórico en el que se enmarca la obra debido a la misma manera en que se recopiló, reinterpretó y difundió, así como por la forma en que llega al público.
A partir
de esto, reviso de qué manera este canto se inscribe dentro de
estos ámbitos culturales y la manera como se ha trasladado a un campo
de significación tan diferente como puede ser una presentación coral.
Desde esta visión propongo que la construcción y reconstrucción de
expresiones culturales a la luz de la mirada occidental debe partir
de unas estrategias de reconocimiento del otro más allá de la
despersonalización que sufren estas personas con la falsa exaltación
de sus tradiciones culturales en marcos político-económicos como la
producción musical pero también del turismo.
Abstract
In this essay I question the relationship established between producers and consumers of "Western" art and the cultural expressions of the Pacific Colombian coast of African descent. This article is based on the analysis of the history of the musical work, Sola Camisola, from its place of origin, Chocó, to the institutional spaces of Western choral music. I argue that there is a distortion of the cultural meaning and historical context in which this work is framed because of the way it was collected, re-interpreted and disseminated, as well as how it reaches the public.
From this, I review
how this song fits within these cultural scopes and the way it has moved
to a field of significance as different as a choral presentation. From
this view I propose that the construction and reconstruction of cultural
expressions in the light of Western eyes must start from recognition
of the other, beyond the anonymity they suffer under the false glorification
of their cultural traditions in political-economic frameworks such as
the musical production but also in tourism.
Palabras claves
Sola Camisola, música del Pacífico, Afrocolombianos, nacionalismo, “Etnoboom”, construcción de identidad, comunidades imaginadas.
TRADUCCIONES
Bauzá-Gillespie-música latina/Jazz: diferencia, modernidad y el Caribe Negro
Por: Jairo Moreno. University of Pennsylvania. Traducido por Mónica Cuellar Gempeler
Resumen
En su autobiografía,
to BE, or not... to BOP, John Birks "Dizzy" Gillespie (1917–1993)
reconoce que “muy temprano, en las canciones que escribí, como “Recogiendo
Repollo” [1940] sonaba latino, o expresaba un sentimiento latino,
como el de poner salsa hindú picante en fríjoles negros, o pimentones
cubanos picantes en un plato de macarrones” (171). Inmediatamente
Gillespie se fija en figuras que le daban forma a su afinidad con la
música latina, dándose cuenta de que “esto muestra en parte la influencia
de Mario Bauzá [1911–1993] y Alberto Socarrás [1908–1989]."
“Pero instintivamente”, continúa diciendo, “ siempre he tenido
ese sentimiento latino. Usted tendría que hacerme un psicoanálisis
para encontrar de dónde viene, pero siempre he sentido una forma polirítmica
que viene de hace tiempo. “Siempre he tenido ese sentimiento latino.
Quizá soy una de esas ‘sobrevivencias africanas’ que pervivió
luego de la esclavitud entre los negros de Carolina del Sur.” Las
vívidas metáforas de desplazamientos de Gillespie (del paladar al
oido, de la estufa al atril), y el agenciamiento individual de sus mentores
musicales; su alusión a un archivo profundamente enterrado de memoria
cultural; y la especificidad de la localización del Atlántico Sur
norteamericano, forman un conjunto de elementos mutuamente dependientes
en los cuales inscribe un hecho histórico conocido: la fuerte presencia
de lo que él denomina música “latina” en su práctica como músico
de jazz. (pp.81-82)
Abstract
In his autobiography,
to BE, or not... to BOP, John Birks "Dizzy" Gillespie (1917–1993)
reckons that "very early, the tunes I wrote, like 'Pickin' the
Cabbage' [1940] sounded Latin oriented or expressed a Latin feeling,
like putting West Indian hot sauce in some black-eye peas or hot Cuban
peppers in a dish of macaroni" (171). Immediately, Gillespie turns
to figures who shaped his affinity with Latin music, noting that "this
in part shows the influence of Mario Bauzá [1911–1993] and Alberto
Socarrás [1908–1989]." "But instinctively," he continues,
making an intensely subjective swerve, "I've always had that Latin
feeling. You'd probably have to put me in psychoanalysis to find out
where it came from, but I've always felt polyrhythmic from a long way
back. Maybe I'm one of those 'African survivals' that hung on after
slavery among Negroes in South Carolina." Gillespie's vivid metaphorical
displacements (from palate to ear, from stove to music stand), the individual
agency of his musical mentors, his allusion to a deeply buried archive
of cultural memory, and the specificity of his North American South
Atlantic locality all form a set of mutually dependent elements in which
he inscribes a known historical fact: the strong presence of what he
calls "Latin" music in his practice as a jazz musician. (pp.81-82)