A contratiempo revista digital

Músicos, movilidad y músicas del Pacífico colombiano en Bogotá, D.C.1

Caminos de arribo y salida

Los caminos de llegada y salida de músicos, agrupaciones y artistas de la Costa Pacífica, Bogotá, y otras regiones y países con sus sonoridades, han sido variados: desde el desplazamiento forzado, pasando por los viajes de investigación al Pacífico y Cali, hasta la inquietud, búsqueda y exploración personal, académica y profesional. Esta movilidad ha sido de suma importancia en la configuración del panorama musical bogotano y del Pacífico, pues el intercambio y la interacción entre bandas, ha dado como resultado el surgimiento de nuevas músicas en los dos territorios. En este dinamismo, algunas de estas agrupaciones se han mantenido en el tiempo, otras se han disuelto y en otros casos se han transformado para convertirse en nuevas; esta lógica hace que los artistas transiten de una a otra banda, evidenciando procesos de movilidad entre ellos y ellas mediados por afinidades, familiaridades, amistades, solidaridades y gustos, posibilitando el aporte y búsqueda de identidades sonoras a través de la solidaridad y reciprocidad.

Un hecho particular en esta manera de hacer música,2 es que un cantante o intérprete puede hacer parte de uno o varios proyectos musicales a la vez, incluyendo otros géneros, ritmos y estilos musicales, como resultado de su talento y capacidades, así como de la búsqueda de sustento económico y la curiosidad y exploración artística.3

En general, entre los grupos que interpretan música proveniente del Pacífico en Bogotá y en el Pacífico, existen lazos de conexión que los estructuran como una comunidad de práctica,4 en la que hay procesos de movilidad permanente, e intercambio formal e informal, en función del desarrollo individual y colectivo de cada músico y agrupación.


Desplazamiento forzado y migraciones del Pacífico a Bogotá

La maestra Daira Elsa Quiñones Preciado, cantante y directora de Son sin Fronteras, 5 fue una artista afectada por la condición de desplazamiento forzado. Luego de venir desarrollando un proceso social en Cali en la década del 70 del siglo XX, con familias en condición de desplazamiento provenientes de distintos lugares del Pacífico, participó a partir de 1986 en diferentes procesos de recuperación y titulación de tierras en Tumaco.

Las tierras que se titularon que están en el río Caunapí, son herencia de nuestros abuelos, pero desafortunadamente ahí se asentó una base militar que se llamaba “la San Jorge” hoy ya no existe esta base; con un trabajo de 120 familias inicialmente, entramos a recuperar esta tierra en medio del pueblo; esa razón hace que en el año 2001, el 7 de septiembre después del asesinato de la hermana Yolanda Cerón, yo llegue a Bogotá en condiciones de desplazamiento (Entrevista Daira Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 9 de 2014).

La causa principal para la migración de Daira fue la protección de su vida, pues su participación en procesos de organización y resistencia hizo que fuera amenazada y su integridad estuviera en peligro, motivo que la obligó a salir de su territorio para llegar a Bogotá.

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La maestra ha desarrollado una labor de resistencia y memoria desde la capital, resignificando el territorio bogotano y conectándose en diferentes momentos con agrupaciones musicales radicadas en Bogotá, para difundir, intercambiar y reinventar su música.

Acá no hay nada que se haga si la música no está presente; si estamos en un evento cualquiera, social, siempre está relacionado a la música y eso lo han ido entendiendo también las instituciones. Por ejemplo, el 13 [de marzo de 2014] estamos en el Centro de Memoria, con un conversatorio entre Mojarra Eléctrica y nosotros, ahí vamos a estar conversando de todos estos temas: de cómo la música es importante en esta fuerza que surge en el territorio, el territorio como una opción de vida, porque cuando uno tiene la tierra, tiene diferentes posibilidades de desarrollarse comunitariamente, y en cualquier lugar del mundo la tierra es todo, sin la tierra nosotros no somos nada. Yo por eso acá tengo todo ese tema de la huerta, porque sembrar una mata para mí, es parte de mi vida, yo me siento muy bien cuando siembro, nos sirve también para distensionarnos, nos sirve también para curarnos cuando sembramos. Igual también la música nos sirve para eso: la marimba también es una curación, la marimba también es parte de ese legado que tenemos africano que nos permite curar muchas enfermedades, no solamente enfermedades espirituales, sino también enfermedades muy terrenales (Entrevista Daira Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 9 de 2014).

Daira no solo se mueve en la esfera de lo musical, sino en varios frentes de trabajo, pues en ella y su colectivo existe una inquietud permanente por la investigación y los procesos identitarios. Uno de los caminos adoptados por esta artista ha sido la asociatividad por medio de la Fundación Arte y Cultura del Pacifico (FUNDARTECP),6 y la Asociación Mutual para el Desarrollo Integral y el Empresarismo (AMDAE),7 ONG con las que ha gestionado procesos comunitarios y de emprendimiento en Bogotá.

Creo que es necesario que se trabaje mucho el tema de la identidad cultural, es importante porque es lo que nos permite afianzarnos en lo que queremos ser, independientemente de donde sea. Y eso no solo le conviene al afrocolombiano, o al indígena o al campesino, eso le conviene a todos los colombianos: que aprendamos a querer lo nuestro, a querer a nuestro país, a querer al municipio donde nacimos, a querer esta misma ciudad que hoy recoge a medio país; ésta es una ciudad que nos acogió después de nuestro desplazamiento, por eso estoy muy comprometida en trabajar también para Bogotá desde este concepto cultural y también adelantar un curso para fortalecer ese arraigo cultural en la región. Desde ese punto de vista estamos realizando varios proyectos. Tenemos un proyecto que parte de la investigación de la piel del pescado como una materia prima que nos puede permitir elaborar instrumentos de percusión, aplicación de diferentes figuras para la ropa o el calzado, elaborar bisutería, elaborar por ejemplo pegantes con las escamas y una serie de productos que se derivan de ello (Entrevista Daira Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 9 de 2014).

Musicalmente, Daira ha explorado diferentes ritmos que ha mezclado con las músicas del Pacífico, con el objetivo de llegar a diferentes públicos en el contexto bogotano.

Hemos hecho más a manera de son; yo trabajo mucho el son, y he hecho son de Cuba, he hecho un son que es característico, que yo he dicho es el son del Pacífico, he ido como explorando en cosas muy particulares del Pacífico, pero también de otros ritmos. Con mi hijo Jhony hemos hecho reggae, hemos hecho reggaetón también y lo que han hecho ellos por jóvenes; como son jóvenes, ellos ponen un pedazo de reggaetón y yo hago un pedazo de música tradicional […]. También cojo la misma canción y la convierto en reggaetón en cualquier momento porque son muy versátil musicalmente, y eso le gusta también mucho a la gente (Entrevista Daira Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 9 de 2014).

Otro es el caso de Aurora Casierra,8 cantante, que se dedicaba a la agricultura en Tumaco, víctima de desplazamiento forzado en 2004, quien tuvo que huir de su territorio por causas de seguridad, y no fue suficiente con esto: además, fue víctima de desplazamiento forzado intraurbano en Bogotá, en 2010.

Yo llegué acá hace más o menos 10 años, por medio del conflicto armado; no llegué aquí directamente, llegué arriba, allá estuve viviendo más o menos 6 - 7 años. Ya también por seguridad me tocó pasarme, pero paso también de aquí a allá; pero ya no vivo como antes, si no voy más que todo a alguna reunión, cuando toca dar clase, que damos clase los sábados, con mi hermana (Entrevista Aurora Casierra. Bogotá, D.C., marzo 25 de 2014).

Desde su arribo, las condiciones de vida para Aurora no han sido fáciles, ha tenido que librar una lucha constante para sobrevivir económicamente y resignificar su identidad en Bogotá.

El proceso de estar acá es un poquito complicado, porque uno como afro, desplazado y con hijos, madre cabeza de familia, es un poquito complicado, porque tiene uno que conseguir trabajo, con quién dejar los niños cuando están pequeños, y cuando uno no es estudiado, también es más complicado todavía; le toca, como decimos nosotros: “Vivir del rebusque”; o sea, un día aquí, otro día allá, ver si le toca ir a uno a pedir abasto, otras veces le toca ir a lavar platos, le toca ir a planchar, haciendo cosas así tiene uno que tratar de sobrevivir; y lo del arriendo también es lo más complicado todavía, porque cuando uno viene con más de dos hijos, todavía es súper complicado, porque las personas a uno no les gusta arrendarle: primero, no le arriendan a negros así por así; segundo, cuando se enteran que uno es desplazado, sí que menos, y cuando se enteran que trae uno más de 4 personas, ahí sí que todo el mundo le cierra las puertas a uno por ser tan grande la familia, por ser afro, por ser desplazado, todas esas cosas se le vienen a uno en un solo paquetico (Entrevista a Aurora Casierra. Bogotá, D.C., marzo 25 de 2014).

A su llegada a la capital, Aurora se acercó a la Asociación Nacional de Afrocolombianos Desplazados (AFRODES,9 donde recibió talleres de capacitación y liderazgo; posteriormente, centró su actividad en la enseñanza musical con jóvenes, en su mayoría de comunidades negras nacidos en Bogotá o Soacha, cuyos padres y madres llegaron a la ciudad por causa del desplazamiento forzado en la mayor parte de los casos. En la actualidad, trabaja con su hermana en un proyecto de música y danza con aproximadamente 30 y 50 niños, niñas y jóvenes, de los cuales la mitad son jóvenes y adolescentes y la otra mitad son de 7 a 10 años, incluso menores. En un momento contaron con el apoyo de Diana Hernández ‘María Mulata’ y Ferney Segura ‘La Wey’, quienes conocieron el proceso a través de una pareja venida de España, quienes estaban haciendo un video y el día de cierre los invitaron a un concierto en el barrio; este acercamiento hizo posible que se gestionara un proyecto por medio de la Universidad Javeriana, mediante el cual consiguieron apoyo por dos años para el desarrollo de este proceso. Infortunadamente se acabó y Aurora y su hermana hoy trabajan con las uñas, para sacar adelante su trabajo.

Nosotros por el momento, desde hace dos años hacia atrás, sí se ajustaban las que debieran, que pagaban una profesora también de danza, teníamos de percusión, de marimba, de música que soy yo y también teníamos una de danza, pero como ahora no hay recursos, pues solamente tenemos el de la marimba y el de los tambores, y mi persona, que soy la que les doy la clase de cantos, pero por ahora danza no, porque no hay plata para pagar (Entrevista a Aurora Casierra. Bogotá, D.C., marzo 25 de 2014).

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El proceso adelantado con el apoyo de la Javeriana se llamó hasta el 2012 ‘Colcha de Retazos’,10 de la Fundación Apoyemos.

Pero ahora como ya no estamos con la Javeriana, y eso era un proceso independiente que era de la Javeriana, usted sabe que uno después no se mete con esas cosas, porque de pronto sale […] entonces lo que estamos tratando es de hacerle, sacarle cámara de comercio y todo, y ya le colocamos un nombre tentativamente que se llama, y si Dios quiere y se hace la fundación o lo que sea que se vaya a hacer, se llama: “Niños y Niñas Constructores de Sueños” entonces estamos ahí en ese proceso (Entrevista a Aurora Casierra. Bogotá, D.C., marzo 25 de 2014).

En su trayectoria en Bogotá, la maestra ha interactuado con músicos bogotanos o radicados en la capital, entre los que se cuentan Maya Renata Munevar Ortiz,11 con quien grabó un disco en 2010 que se llamaba ‘Yo cuando llegué a Bogotá’, que nunca salió al mercado;12 además, con Diana Hernández 13 y Ferney Segura,14 con quienes trabajó el proyecto de la Javeriana entre 2010 y 2012, y con Diana Tovar 15 que es con quien tiene más acercamiento actualmente.

En lo musical, se ha caracterizado por evitar mezclar ritmos como el reggaetón, pues tiene una mirada centrada en valorar lo tradicional como la reafirmación de su identidad. Crea canciones y canta arrullos, alabaos y rondas.

La música que nosotros cantamos casi nadie la… pues poquitos son la gente que la canta y que les gusta, entonces pues dijimos: no, porque si nos han dicho que por qué no le metemos que guitarra y el cuento de la cosa de los niños, y yo digo: no, porque es que la música del Pacífico ahora es que les están metiendo guitarra y la del Chocó que lleva redoblante y todo eso, pero la de Tumaco no lleva nada de esas cosas, entonces la idea no es cambiar la tradición, sino seguir con ella.

[…] de vez en cuando compuse dos cuando grabamos el C.D., pero nosotros cantamos son solo los arrullos, los alabaos y las rondas, todos los juegos que uno hacía allá antes en la tierra de uno, pero acá casi no se puede, y los cantos para los niños para hacerlos dormir, todas esas cositas (Entrevista a Aurora Casierra. Bogotá, D.C., marzo 25 de 2014).

Búsqueda de posibilidades educativas y laborales

Otro es el caso de Ferney Segura ‘La Wey’; este músico guapireño, quien llega a Bogotá en 2006 en busca de posibilidades educativas y laborales, ha pasado por diferentes agrupaciones musicales que interpretan música proveniente del Pacífico colombiano; entre otras se cuentan el Grupo Kilombo, Grupo La Revuelta, La Mojarra Eléctrica, Tumbacatre, Pambil, Afrotumbao. Actualmente es docente y estudiante de la Pontificia Universidad Javeriana. Este es uno de los músicos que actualmente más circula por diferentes agrupaciones e incide de diversas maneras, ya que es compositor, intérprete, arreglista y tallerista, y está actualmente creando escuela en el centro educativo donde labora.16
También está el caso de Marlen Obregón, cantante guapireña que llega a Bogotá en el año 2000; actualmente es cantante de La Mojarra Eléctrica y estudiante de Psicología de la Pontificia Universidad Javeriana. 17

Otro ejemplo es Jonathan Ortiz ‘Mulato’, quien llega a Bogotá en 2003 de Buenaventura, buscando posibilidades educativas y de trabajo; en la actualidad es el tecladista de La Mojarra Eléctrica.18

Y Wilmer Guzmán, músico cartagenero que actualmente es el percusionista de La Mojarra Eléctrica; luego de vivir en varias ciudades, llegó fortuitamente a la capital en búsqueda principalmente de oportunidades de estudio y trabajo.19

Esta búsqueda de posibilidades educativas también fue uno de los móviles para la llegada a la capital en 1986 de Armando Quiñones, músico caleño criado en Tumaco, fundador del Grupo Kilombo 20 en 2002, que se convirtió en pionero de la “nueva” ola de la música del Pacífico en Bogotá a finales de los 90 e inicios del 2000 al lado de Curupira y La Mojarra. El inicio de este proceso para Armando fue su ingreso a la ONG ‘Taller de Vida’, 21 hace diez años.

Una cantidad de hechos y de acontecimientos que hacen que uno empiece a repensar su quehacer como afro y también lo urbano, entonces en esa medida yo empecé a construir procesos de reivindicación y procesos de búsqueda de identidad. En ese proceso llego a un lugar que se llama “Taller de Vida”; “Taller de Vida” es una ONG que trabaja con personas desplazadas por la violencia, y en general personas con distintos tipos de vulnerabilidad.

Llegué al Taller de Vida por mi formación afro, el conocimiento un poco que tenía sobre mi historia; entonces empecé a dictar unos talleres a jóvenes, niños y muchachos, talleres de reivindicación afro, y ahí conocí varios muchachos, en ese caso: John Edward,22 Larry 23 y a Edwin. En ese entonces, los conocí en “Taller de Vida”: ellos tocaban, amenizaban muchos eventos del “Taller de Vida” con tambores y yo también toco, y empecé a tocar con ellos, y de ahí surgió la idea de “Kilombo”, ahí básicamente se formó “Kilombo”, ese fue el inicio de “Kilombo”, junto a esos muchachos (Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

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El recorrido de Kilombo llevó a esta agrupación a presentarse en escenarios en México (2007) y Brasil (2007), así como en distintas ciudades de Colombia. Ocasionalmente, algunos de sus músicos participaron en festivales de música del Pacífico como el Petronio Álvarez, hecho que hace evidente dos puntos de convergencia de estos músicos: Cali y Bogotá, por la cantidad de encuentros, desencuentros e intercambios, que se llevan en estas ciudades en términos musicales.

Fue muy bonito, digamos el Petronio fue y sigue siendo muy bonito, y cada vez es un festival que coge mucha más y más fuerza. Cuando nosotros fuimos, principalmente el público era el público afrocolombiano, era público del Pacífico; hoy en día ya va gente de todas partes del mundo. Paga ese festival, ha cogido una fuerza impresionante, a tal punto que ya lo televisan, ya lo presentan en RCN, Caracol, los medios tradicionales, pero el Petronio es un festival muy bueno en términos de que convoca la música del Pacífico, convoca las músicas y las tradiciones afrocolombianas, pero sí siento que hay que mejorar muchas cosas en términos de darle mucho más reconocimiento a aquellos personajes, a aquellas personas, a aquellos hitos de la cultura afrocolombiana que han permitido que la tradición se conserve. Entonces por ejemplo, hay músicos, señores de vieja data que fueron precursores en la marimba, que permitieron esa conservación de la marimba; el músico se muere y no le hacen ningún homenaje, entonces me parece que al Petronio le hace falta tener una visión mucho más cercana al sentir de afrocolombiano. Claro, el Petronio convoca a músicos del Pacífico y cogió fuerza, pero sí le hace falta más un contenido político en términos de reivindicar muchas más cosas de la musicalidad afrocolombiana (Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Un elemento que caracterizó a Kilombo fue la búsqueda de un sonido basado en la incorporación de diferentes ritmos y estilos musicales, particularmente el jazz, que fue de gran importancia a la hora de darle un sello a la música de la agrupación.

Principalmente, nosotros tenemos una gran influencia, muchos elementos de jazz, porque los músicos del interior que tenía “Kilombo” eran jazzistas reconocidos aquí en Colombia y aquí en Bogotá; entonces esa fue la gran influencia y ese gran matiz, gran colorido, esa gran riqueza que se le pudo aportar a “Kilombo”, que es la mezcla de la música tradicional afrocolombiana y los elementos de jazz de nuestros hermanos norteamericanos, afroamericanos (Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Estas influencias sonoras responden a las diversas procedencias de sus miembros. Las razones para la llegada de los integrantes de la agrupación a la capital son diversas, pero independientemente del motivo del traslado a Bogotá, siempre existió una fuerte relación con el Pacífico.

Llegué acá porque mi mamá estudiaba acá, entonces vine a vivir con mi mamá después; primero viví en Cali, y Tumaco, después me vine para acá. Otros que se vinieron a mejorar su calidad de vida aquí en Bogotá, como la mamá de Larry, la mamá de John Edward y Juan Carlos, doña Ligia también vino a buscar nuevos horizontes, Edwin, que no lo conté, entonces son siete, fue víctima de desplazamiento forzoso de Tumaco; entonces, si varios integrantes de Kilombo tienen un contacto directo con el Pacífico, los que nacieron acá, o sea, los que creamos acá, nuestra mente y nuestro corazón siempre estuvo en el Pacífico, entonces orgánicamente esa música también nos pertenece (Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Uno de esos miembros que se destacó por sus cualidades artísticas en Kilombo, fue la cantante vallecaucana María Ligia Naya Zamora,24 quien debido a las difíciles condiciones económicas y de vida debió emigrar hacia Bogotá y posteriormente a los EEUU en busca de mejores posibilidades de vida.

Es una historia bastante triste, porque doña Ligia fue una mujer ejemplo de lucha de muchas personas afrocolombianas, que ante la situación difícil que vivían en el Pacífico de descuido total, desde el punto de vista estatal, económico, en la educación, en la salud, etc., nosotros superamos todos los índices desde lo negativo, y que le tocó venirse a rebuscarse la vida acá en Bogotá. En esta ocasión no fue como desplazada, sino que simplemente vino a intentar surgir y lo que la vida le dio a ella fue la música, y a través de su voz, de su canto, se abrió camino en las iglesias aquí en Bogotá; el esposo desafortunadamente lo llevaron a la cárcel, y ella tuvo que mantener a su familia, a sus hijos con los cantos en las iglesias y ahí conocimos a doña Ligia y terminó cantando en Kilombo. Pero Kilombo no era un grupo que vendía discos en las emisoras, ni que vendía muchos discos, luego, doña Ligia no era una persona que podía vivir de Kilombo ni ninguno de los integrantes de Kilombo podía vivir de Kilombo, entonces doña Ligia le tocó porque su situación económica cada vez más precaria, una persona que desafortunadamente no tuvo muchas oportunidades; ella era una mujer luchadora, ella estaba dispuesta a trabajar en muchas cosas, pero no se le dieron las cosas económicamente aquí, tanto en trabajos convencionales como en lo musical, por lo anterior que hablábamos, porque la música colombiana no es comercial aquí en Colombia, no se vende, no vende (Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Otro cantante que participó en Kilombo fue Víctor Hugo Rodríguez,25 quien migró a la capital en busca de oportunidades laborales y percibió el aprecio por parte de músicos y público bogotano hacia la música del Pacífico, manifestación que en su región algunas veces no tiene la misma relevancia, porque para muchos habitantes de estas zonas, estas sonoridades son parte de su cotidianidad y aunque están presentes en el diario vivir, en términos artísticos no tienen la misma valoración que adquieren en la capital. Al respecto, Urián Sarmiento hace referencia a la experiencia de Víctor.

Entonces músicos como Víctor Hugo Rodríguez, es uno de los que se vino para acá, a mediados de la década del 2000; él no pensó, de hecho, que con tocar guitarra y con canciones románticas y baladas, pero llego acá y se encontró con un poco de gente queriendo escuchar esas melodías y esos cantos del Pacífico que termina Víctor tocando con La Mojarra, por ejemplo, haciendo lo que el menos se imaginaba, que era cantando cosas de su tierra. Y le tocó un poco reaprender que él realmente no lo tenía, pues sí lo tenía en la sangre, lo había vivido, pero su interés musical había sido otro, la música romántica, las baladas con guitarra que en él, sonaban muy bonito, los boleros; pero al llegar acá y ver ese interés tan fuerte, empieza él mismo a hacer ese proceso de reaprender, que le pasa igual a gente de aquí urbana que se va a vivir fuera del país a estudiar a un conservatorio, y en un punto del camino se dan cuenta que en su país hay una cantidad de información muy interesante y empiezan a aprender desde allá, desde afuera, la música Entrevista a Urián Sarmiento. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

La agrupación Kilombo se disolvió hacia 2009, dejando un legado musical de importancia para la ciudad; hizo un CD en el que se destacan canciones como el bunde ‘Dos de mayo’ de Lubín del Carmen Valencia, como homenaje a las víctimas de la masacre de Bojayá (Chocó), el 2 de mayo de 2002.

Otro músico de importancia ha sido Carlos Yahani Valencia ‘Tostao’26 fundador y cantante de Chocquibtown, agrupación iniciada en el 2000 al lado de Gloria Martínez ‘Goyo’27 y Miguel Martínez ‘Slow’28 . En sus búsquedas musicales desde finales de los 80 ingresa a estudiar música en Quibdó donde se acerca a la chirimía, luego se traslada a Bogotá porque su madre llega a trabajar a esta ciudad, lo cual le dio la posibilidad de estudiar salsa y música clásica; posteriormente, ingresa a la escuela de rock y rap, abriendo el camino al encuentro de un estilo que posibilitara la mezcla de lo tradicional y contemporáneo, que es más adelante lo que va a caracterizar el estilo de Chocquibtown.29

La escuela de rock y rap es el movimiento más ambicioso, el proyecto más ambicioso que se ha podido hacer desde la alcaldía de Bogotá; era una escena que es cuando ya aparece la ola de esto, de la nueva música, es una escuela donde los maestros eran nada más y nada menos que los prime time, los que estaban en el top de la música independiente y que tocaban con bandas duras den ese momento, finales del 98 principios del 99, los profesores eran entonces Urián, Teto, Alfonso en el bajo, Chato Rivas, bueno, en la parte de rap estaba […], estaba Alex Martínez, y era gratis, tenía tres niveles y había que pasarlos por conocimiento musical, claro. Como yo aprendí a leer desde pequeño, yo llego allá, toco y primer nivel y […], era una universidad del estado básicamente, pero ubicaba la música con otro sentido, o sea, vos no veías el pentagrama tradicional aunque te enseñaban obviamente a leer eso, pero Urián también salía con unos cuentos como taketina 30 […], eso pa’ mi era como […] viajar en el tiempo, ir allá a otra cultura, Egipto y un poco de vainas todas raras, pero era muy interesante para un estudiante de batería como era yo; estamos hablando de pensar en una cosa mientras estás tocando otra […], entonces ahí yo vi a pelos, vi a Lucho, en fin, vi a medio movimiento que hoy en día toca felizmente (Molano, A., Restrepo, A. & Molano, M., 2007, p. 140).

A finales del 99 Tostao viaja a Cali y se encuentra con el Petronio Álvarez como espacio de las músicas del Pacífico; es allí cuando se conecta con Goyo y deciden crear Chocquibtown en el 2000.

Después me voy a vivir a Cali; Cali es otra historia, porque Cali tiene el Petronio y no sé qué, entonces ya uno se empieza a acercar más a eso y entrena más el oído hacia ese sonido y entonces empieza ahora sí lo que es el folclor puramente; entonces, le daba al folclor y después salía para otra presentación tranquilamente a rapear, y un día me digo: ¿yo qué hago separando estas dos cosas?, Combinémoslas. Eso sucede en el contexto caleño, porque aquí yo no tenía el eco, ¿me entendés?, te estoy hablando de finales del 99, gente que esté tocando pacífico, o por lo menos no los veía; todo el mundo me hablaba de unas cosas raras: pop, punk, grunge, eso es arroz con mango pa’ mí, yo soy soy rapero. Entonces no había el eco de hey, vamos a hacer música del Pacífico, porque básicamente eso no estaba expuesto en los medios, taba el fenómeno del bloque como te decía, y Carlos Vives, nadie está pensando en llevarle la contraria a esa gente […] sí, todo el mundo estaba engomado era con el Atlántico […], entonces bueno, me voy a Cali, allá la historia sí es diferente, toda la gente que viene del Pacifico, y reside en Cali, pues trae la cultura un poco […], a cuestas, ¿me entendés?, entonces no, bueno listo, empezó a haber una dialéctica como entre hey, mira lo que yo hago, ah bacano, y esto, y aquello, y pues el Petronio es la congregación de todo eso: tú llegas al Petronio en el 2000 y eso era apoteósico, ¿este poco de negros de dónde salieron? Era la pregunta, pues yo venía era de Bogotá en esa época, y ahí surge la idea de Chocquibtown, en el 2000. Entonces yo digo, vamos a hacer hip-hop folklórico (Molano, A., Restrepo, A. & Molano, M., 2007, p. 141).

En 2003 Carlos retorna a Bogotá después de haber interactuado en Cali con maestros como Wilson Viveros y Hugo Candelario González e introducirse aún más en el rapeo y explorar el trabajo con máquinas, al lado de un productor de Tumaco llamado Jarell.

Bueno, yo me fui como en el 99 y luego, cuando vuelvo en el 2003, la historia ya es otra; ya yo veo la gente abordar la música del Pacífico. Por ejemplo Mojarra, que es el proyecto con el que yo me vinculo cuando llego de Cali: estuve 2 años con ellos; el disco de Mojarra, es una vaina rara, el disco de Mojarra suena como jazz, pero en otros lugares muy atlántico, y tiene como 3 temas, muy pacíficos, chirimía sobre todo. Entonces yo digo: estos manes son, no me van a dejar morir la sintonía con la que yo vengo ya, entonces yo me voy a Mojarra, Goyo se va a Kilombo y empezamos el proceso de investigación ya desde la ciudad, continuamos ese proceso pero ya desde el asfalto, ¿si me entendés? Por allá está uno conectado con la gente y con la naturaleza y es una conexión directa, que es una cuestión más difícil […] aquí nadie le va a decir a uno por qué está tocando esto de esta manera y no como se supone que es (según ciertos maestros del folclor), aquí todo el mundo estaba era como esponja, absorbiendo todo lo que había; entonces yo tengo mis carencias con la música del sur, entonces me fui un año entero a ver los ensayos de Kilombo, y a pillar, esos manes tienen esa vaina muy fuerte, la parte sureña […] era aprender…Gloria sí tiene una parte sureña más fuerte […] entonces ahí el proyecto se aclara más y decimos vamos a hacer un disco…por ejemplo Somos Pacífico es eso, básicamente un tema con tímbrica del sur y melodía del norte, y con las máquinas…está también el redoblante ejecutado por arrendó Richi […], que tocó encenderlo a CD para que también entendiera la vuelta del Chocó; él es turbaquero, con su tumbao de Bolívar de frente, entonces en cada ensayo él llegaba primero y yo le mostraba, mirá esto […] etc., nosotros, por ejemplo, cortábamos pepas del redoblante (porro chocoano, y después funky), la mitad y la mitad […] (Molano, A., Restrepo, A. & Molano, M., 2007, p. 145).

En 2004 Chocquibtown participa y gana en Hip Hop al Parque 31 , situación que los posiciona en la escena nacional; en 2006 reciben una mención de honor en el Petronio Álvarez; en 2007 ganan la categoría de Pura Gozadera en los Premios Shock; en 2009 son postulados al Grammy Latino 2009 y Mejor Nuevo Artista, y en 2010 son ganadores del Grammy Latino Mejor Canción Alternativa del Año, ‘De dónde vengo yo’, 32 en 2011 participan en la XVII versión de Rock al Parque en Bogotá.33 En la actualidad, es una de las agrupaciones con mayor reconocimiento y circulación en lo que a músicas del Pacífico se refiere en Colombia y el mundo.

Una de las características de agrupaciones como Curupira, La Mojarra Eléctrica, Kilombo, Chocquibtown, Tumbacatre y La Revuelta, entre otras, es que en ellas confluyen músicos de diversos lugares de Colombia, hecho que posibilita reunir variadas influencias y estilos musicales en una sola banda, permitiendo nutrir las músicas que hacen con colores diferentes a los tradicionales, lo que ha servido para hacer una música más cercana a públicos de otras regiones y países que también habitan Bogotá.


Viajes hacia y desde el Pacífico Colombiano y desde y hacia Cali 34

Otro ha sido el camino de los músicos que estando en Bogotá han viajado en repetidas ocasiones al Festival de Música del Pacífico Petronio Álvarez en Cali, o a algunas poblaciones del Pacífico para aprender y compartir con los maestros y maestras. Dos de estos músicos han sido Urián Sarmiento y Lucía Ibáñez, miembros de la Corporación Cultural Sonidos Enraizados. Particularmente, Urián explica desde su perspectiva las motivaciones que tienen los músicos de las ciudades para viajar al Pacífico.

Estos músicos urbanos se echan el viaje a las regiones para aprender, a ver, a conocer al músico de primera mano, verlo hablar, estar en su casa, comer allá, sentir el calor, los mosquitos, el ambiente, la fiesta, vivir una época de arrullos, una época donde se toque, porque es una experiencia que no va a recibir en la universidad, que no va a recibir por textos; de pronto sí los textos que pueden dar una idea muy clara de todo, pero no hay nada como estar ahí y ver esas personas tocando toda la noche, con otras dinámicas distintas a las que a uno le enseñan en la academia, o ve en la ciudad con toda la información mediática. Es otra historia: estas señoras anónimas cantando toda la noche, unas voces impresionantes, unos volúmenes de voz con su color, la variedad de melodías, de la resistencia y de aguantar todo eso. Eso no lo ve uno nunca en un concierto de jazz, ni en la televisión, ni en los discos, tiene que ir a vivir eso (Entrevista a Urián Sarmiento. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Urián empezó a asistir al Festival de Música del Pacífico ‘Petronio Álvarez’ entre 2001 o 2002 y en 2007 viaja por primera vez a Guapi (Cauca), para el desarrollo de un proyecto llamado Cantos del Desarraigo, de la Fundación Contamíname 35 de España.

En el año 2001, creo que a ese año fuimos al Petronio por primera vez, 2001 ó 2002, desde ahí empieza uno a entender más, realmente era más el ejercicio, era como tratar uno de entender qué significa, qué era cada nombre, qué era cada ritmo, cómo se tocaba, de qué zonas eran. Ya a ir la región sí fue casi hasta el 2007; es la primera vez que yo fui a Guapi, bueno, ya había estado en Tumaco un poquito antes, pero no visité ningún músico; venía de paseo de San Lorenzo a Tumaco, bajamos por el Ecuador, fuimos a Esmeraldas por Quito, por carretera y por Esmeralda subimos a San Lorenzo y de San Lorenzo a Tumaco, pero fue como por hacer el recorrido. Ya estuve en Tumaco, pero ya hacer trabajo con músicos, fue en el 2007.

En el 2007 yo bajé la primera vez a Guapi; fuimos a un proyecto que se llama “Cantos de Desarraigo”, que es un libro-disco que se hizo con la Fundación “Contamíname”, que es española, y Adriana Molano que es de aquí y trabaja con el Ministerio, fuimos con Mateo Molano36 , otro músico de Tumbacatre y con Ernesto Poveda 37 a hacer como unas grabaciones a marimberos de Guapi para que salieran en esa publicación, que quería que el tema central de “Cantos de Desarraigo” fuera hacer como un recorrido entre la música y el desplazamiento, como hacer una muestra en audio de todo lo que sucedía en el Pacífico musicalmente y acompañado de testimonios e información de ese otro lado que está ahí tan fuerte, la violencia, en la región.

Había un hueco de marimba, habían grabaciones de Naidy y de Canalón, pero habían otros marimberos viejos, mayores, que no estaban registrados todavía, por eso bajamos, fuimos hasta Guapi; Mateo ya había estado antes, ya había hecho como una pre-producción, ya había ubicado al señor Dioselino Rodríguez, que es un marimbero mayor, bien, que vive lejos de Guapi, un señor con información viajada muy interesante, unas formas que ya no son tan fáciles de ver, de la forma de tocar.

Don Dioselino, don Genaro Torres que es hermano de Gualajo, otro marimbero mayor, tremendo, y don Silvino Vina, que ya está bien viejito hoy día; hicimos eso, fuimos y los grabamos a los 3 grupos. Una semanita estuvimos allá; fuimos hasta donde vive Dioselino, que es en San Francisco, que es en tres horas adentro de Guapi, por el río Guapi, y de ahí grabamos bastante, pero solo salieron un tema de cada uno, porque había en el disco, estaba Chocquibtown, estaba La Mojarra, Tumbacatre, Bahía, Naidy, La Contundencia, ahí como una muestra general de la región (Entrevista a Urián Sarmiento. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Estos viajes le abrieron el camino para el encuentro y conexión con los maestros en Cali en el Petronio, espacio que ha sido un punto de conexión entre los músicos de Bogotá y de otras ciudades interesados en acercarse y explorar las músicas provenientes del Pacífico colombiano.

Urián: Ahora que mencionas el caso del río Napi y en general para todos los procesos, siempre hay como un proceso, en algunos casos, más largo que otro de lograr llegar a ellos; en el caso del río Napi fueron varios años, por un lado porque donde ellos viven es una zona muy alejada, no hay señal de celular, ellos no salen mucho, no están viniendo seguido, si mucho bajan a Guapi un par de días y vuelven y se echan para arriba, y eso lo sabemos ahora que ya los conocimos, pero en ese entonces yo escuché hablar por primera vez de ellos por Jaime Ospina, un amigo que los vio en un Petronio en el “98” ó “99”. Él me dijo, inclusive dijo era que las cantaoras del río Napi, pero que eran unas señoras con unas flautas y un triángulo y un redoblante, hizo la descripción. Yo conocía las chirimías caucanas y por lo que había escarbado en la Luis Ángel (biblioteca), el centro de documentación de esa época, y sí, ahí hay fotos, y hay grabaciones de músicos afro tocando flautas traversas, y ya ahí quedó la cosa; por allá como 3 o 4 años después en otro Petronio, allá fueron y esa vez no me acuerdo con quién fuimos; con Curupira fuimos esa vez, esa vez Curupira, participamos que era ya el gran triunfo ir a tocar allá, con esa ya para que más, y ellos del Napi ganaron esa vez, el segundo o el tercer puesto en la chirimía.

Entonces ahí empezó como una conversa, yo empecé a acercármeles, cuando estaban por ahí tocando, uno se aceraba y bien, ahí más o menos conversaban, pero ellos viven ahí entre ellos, porque eran también el bicho raro del Petronio, eran ellos y algunos grupos de modalidad libre, pero este era el único grupo de flautas, de resto todos de los que eran chirimías, todos eran chocoanos con clarinete, bombardino, redoblante y otra onda, la arrechera en pleno, y los otros eran de marimba, muchos de marimba, entonces estos eran los raros, siempre estaban por ahí y tocando.

Todo ese proceso, luego vinieron a Bogotá, los trajeron a la media torta, yo tuve la oportunidad de ir a conversar, ahí abrí un poquito más y ya hasta el 2009 en otro Petronio, y uno a veces sabiendo que iban para el Petronio, no sé cómo nos enteramos que iban para el Petronio.

Lucía: no sabíamos que iban para el Petronio

Urián: Era ir a buscarlos a ver si iban.

Lucía: Si, esa vez yo me enteré, yo conocí a la Chirimía del río Napi por Urián, que me mostró unas grabaciones y me contó de ellos y me contó la idea de querer ir a grabarlos y en ese momento él estaba haciendo un trabajo, estabas por […] en esa época, entonces él se fue a su trabajo y yo me fui a Cali, al Petronio, y llegué al hotel, al cuarto de ellos: “buenas, cómo les va” y ahí me recibieron súper bien; es gente muy campesina, que viven en un lugar muy aislado, tienen como muchas costumbres muy del campo, pero muy del campo son, como decirlo, muy caballerosos, entonces tienen esa hospitalidad, esa escala de valores en la que llegas a buscarlos, te atienden, entras, tienen eso, mucho, es como un lugar muy alejado y que estuvo muy en contacto por mucho tiempo. Las rutas, las vías de contacto eran más a pie que en lancha, porque gasolina no todo el mundo tenía y en lancha a Canalete del Napi a Guapi te demoras mucho tiempo; las vías caminando eran como las más cercanas, caminando están más cercanos a la cultura andina. Se siente que ha habido mucho más puntos de encuentro, digamos que en una época hubo muchos puntos de encuentro más bien con esa cultura andina, entonces tiene una forma como muy caballerosa, muy respetuosa.

Yo llegué allá a hablar con ellos y ahí estuve con ellos, me quedé como con ellos todo el Petronio, contándoles de la idea de ir allá, de ir a grabar, ellos decían: sí, pero realmente no creían, el acceso es difícil y porque no creían, ellos no le tienen mucha fe a que dos blanquitos, bogotanos, se animen a hacer tremendo viaje, y además por el tema de orden público, que siempre hay que pasar unos cuantos retenes antes de entrar; ellos realmente no creían que fuéramos a ir, y menos si viene una chica, joven, a decirles: “cómo están, me voy con ustedes”. No tenían mucha fe. Esperé con ellos hasta los resultados y Urián tampoco tenía mucha fe realmente que nos fuéramos a ir (Entrevista a Urián Sarmiento y Lucía Ibáñez. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

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Finalmente Urián y Lucía sí fueron, el viaje estuvo bastante atropellado, casi se accidentan en el río, pero esta adversidad les posibilitó unirse a los músicos del río Napi y abrió el camino para consolidar su amistad y poder grabar.

Urián: Claro, llegamos allá a contar la historia y fue toda la emoción de haber estado ahí todos juntos. Al otro día se hizo la grabación, fue de una, buscamos el lugar, allá no había luz eléctrica, había un generador, había la opción de una planta pero eso hace muchísima bulla, por más de que una la ponga con los micrófonos abiertos se mete toda la bulla: el pueblo tenía una plantica que daba tres horas de luz por la noche para todo el caserío de San Agustín, que serán 50 casas por ahí, algo pequeño, tal vez un poquito más, bueno, no es un pueblo, es caserío chiquito, ahí negociamos la gasolina para que la prendieran esas tres horas pero pues en el día, que no era tampoco tanto, eran como $70.000 la lata de ACPM, y eran como tres latas; 70 costó, y en esas tres horas acomodamos todos los micrófonos, uno para cada uno y ya los dejamos que tocaran lo que quisieran o el tiempo que quisieran y siempre se alcanzaron a grabar como 20 canciones, hasta que se acabó el biche, no, todavía quedaba un poquito.

Lucía: Se armó una fiesta muy grande, fue muy bonito; incluso paso otra cosa bien bonita ahí en la grabación, y fue que nosotros fuimos a grabar a la chirimía del río Napi, estábamos grabando con la chirimía del río Napi y en un momento llegaron unas señoras súper arregladas, porque realmente se formó una fiesta, en un espacio que es como una gondolita, que queda en una casetica, que queda frente de la iglesia, muy en la mitad del caserío, entonces todo el mundo termina mirando, ni siquiera hay plaza, esa es una plaza y llegaron unas señoras muy arregladas, con sus sombreros, vestidos, su pinta bonita y me pidieron hablar y llamaron a don Augusto, al director del grupo, y don Augusto vino y nos preguntó que si podían ellas también grabar unas canciones y ahí fue cuando grabamos a las cantaoras del río Napi (Entrevista a Urián Sarmiento y Lucía Ibáñez. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

De esta grabación resultó lo más importante: la confianza y la solidaridad, porque la idea para estos músicos no es hacer lo que generalmente hace todo mundo que es ir y grabar y jamás volver, sino por el contrario, establecer una relación duradera que permita construir relaciones de fraternidad. Además, en octubre de 2012 salió el disco 38 con trece canciones, que ha hecho posible guardar una memoria de la música de la Chirimía del río Napi y circular y visibilizar sus músicas en diferentes espacios en Bogotá; en octubre de 2009 participaron, junto con otras chirimías, en el Recorrido de Flautas y Tambores organizado por la ASAB y la Academia Luis A. Calvo.39

Otra conexión ha sido con la maestra Eva Pastora Riascos Bagui, de la agrupación Perlas del Pacífico de Tumaco (Nariño); en este caso Lucía Ibáñez estuvo en Tumaco conviviendo con los miembros de la agrupación en el marco de una pasantía. Su contacto con los miembros de esta agrupación inició porque escuchó una grabación que tenía Urián de Perlas.

Fue un compilado que se hizo en Pasto, tributo a nuestros ancestros, de los grupos más tradicionales de Tumaco: está San Andrés de Tumaco, el grupo San Andrés que son arrulladoras, está el grupo Perlas del Pacífico y están Artesanas Unidas; son tres grupos que grabaron en ese disco y Urián tenía esa grabación. Desde que yo escuché esa grabación yo quedé así como cautiva, prendada, prendada del tema y empecé a buscar de qué manera iba a Tumaco. En algún momento conocí a un músico de Tumaco que Urián ya había conocido mucho tiempo antes, que es de mi misma edad, Kizu, 40 Edwin, él es marimbero y cuando él escucho esa grabación en mi casa, porque él es un marimbero muy tumaqueño, un poco muy aislado, pasa mucho con la gente de Tumaco que a veces son un poco cerrados, un poco aislados, tienen una particularidad ahí, y él tiene ese tema también ahí, nos acercamos mucho en una época y cuando vio que yo tenía esa grabación, él de una empezó: “Vamos, toca ir a Tumaco, y en diciembre del 2010, íbamos a ir juntos a Tumaco pero pasó algo, que cerraron las carreteras, para ir a esa parte, en el 2010 o en el 2011; en el 2011 fue que cerraron la carretera y yo no pude ir, entonces yo terminé fue en Timbiquí, ah no, fue en el 2010 que cerraron las carreteras y yo terminé yendo fue a Timbiquí en otro momento, en el 2011. Igual seguimos ahí con la cosa y en un Petronio yo fui a buscarlos directamente y les dije, me declaré fan, sí, le dije así: “doña Pastora, yo quiero que usted sepa, que seguro no hay nadie en el mundo a quien le guste más la música de Perlas del Pacífico que a mí.” ¡Ah sí! ¿En serio? Y me empezó a testear, y yo me sabía todos los temas y le dije que yo quería ir a Tumaco y que yo quería ir con ella, que yo conocía a Kizu y Kizu me había dicho (Entrevista a Lucía Ibáñez. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Después de encontrarse con Richard, el marimbero en ese momento de Perlas, Lucía viaja en 2012 al Petronio y por fin se concreta la posibilidad de aprender con la maestra Pastora.

Yo llegué al Petronio y los busqué y empecé a decirles que yo quería ir; antes de eso, había venido Kizu con el marimbero, con Richard, y Richard vino acá a la casa y nos conocimos y en esa época acá vivían varios amigos músicos que también tocaban marimba, y nos conocimos, y nos entendimos bien. Kizu le habló muy bien de mí y le dijo que nosotros hacíamos esto, yo también le dije que yo quería ir, que quería conocer a doña Pastora; todo quedo ahí. ¿Cuándo fue que fuimos nosotros? En el 2012, porque eso fue en el 2011, y ya después fue lo del Petronio, entonces yo fui al Petronio, yo iba a grabar a un grupo.

Hasta que llegó un Petronio y los conocí y quedamos y nos conocimos, y ya empezamos como a llamarnos, y luego gestioné un recurso a través de las pasantías nacionales, me presenté para ir a estudiar con doña Pastora, y así fue que terminé estando allá en Tumaco en casa de ella; la primera ida fueron tres semanas, y una segunda ida que fue un mes larguito, en realidad. En la primera ida fuimos a grabar, en la primera ida fuimos con Urián, él pudo solamente coordinar un día para ir y grabar y grabamos en ese día (Entrevista a Lucía Ibáñez. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

De esta relación surgió una amistad que hizo posible que Perlas y Doña Pastora viajaran a Bogotá a dictar una capacitación que se llamó Taller de Cantos Tradicionales del Pacífico Sur nariñense, del 7 al 12 de octubre de 2013, posibilitando el acercamiento y formación de un grupo de personas en las músicas del Pacífico Sur. Y de otro lado, la concreción de una grabación para la elaboración de un disco que está a punto de ser lanzado.

En estos tránsitos está también Alejandro Montaña, fundador y director de La Mojarra Eléctrica 41 quien ha viajado a varios Festivales de música, espacios que han sido claves en su proceso de acercamiento y aprendizaje a las tradición sonora del Pacífico.

Pues en un principio yo me acerqué mucho a la música de gaitas y fui a participar a Ovejas en una época y pues nada, ir a los festivales es como ir a encontrarse con los amigos músicos, con los maestros, es ir a encontrar un punto donde se reúnen y convergen todas esas culturas de una forma fácil y accesible para uno; de alguna forma, solamente es coger un bus y llegar hasta allá, entonces pues nos hemos acercado, o yo me he acercado a esos festivales, tanto al Atlántico como al Pacífico y pues yo lo considero como una clase, como ir a estudiar, para mí ha sido ese. […] Yo he estado en el Petronio en 2002, 2004, 2005, 2006, 2007, 2009, 2011 y 2013 (Entrevista a Alejandro Montaña. Bogotá, D.C., septiembre 30 de 2013. Director y percusionista de La Mojarra Eléctrica).

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Otro hecho importante en la vida de Alejandro y La Mojarra fue el haber conocido al músico Alfonso Córdoba ‘El Brujo’42 en el año 2004. Cifuentes (2009), explica cómo:

El brujo empezó a colaborar con ellos y, después de un tiempo de ensayos y trajines, realizaron un concierto en septiembre de 2004, en el bar Quiebra-Canto. Este concierto consolidó una relación de la que se desprenden varios hechos importantes para el tema de los aprendizajes. El contacto con El Brujo significó un momento importante en el transcurso musical de La Mojarra, así como para El Brujo representó su aparición en los escenarios bogotanos después de veintidós años (p. 258).

Esta relación constituyó un feedback entre artistas radicados en Bogotá y el Pacífico, que hizo posible visibilizar entre los habitantes de la capital la obra musical del Brujo y permitió el avance artístico de La Mojarra.

De otro lado está Juan David Castaño,43 marimbero y fundador del Grupo La Revuelta en 2004, quien estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia y se dedicó a la música de manera empírica; ha participado con La Revuelta y otras agrupaciones en varios Festivales de música, entre otros en el Festival Folclórico del Litoral Pacífico en Buenaventura44 y en el Petronio Álvarez en Cali.45 Su interés por la música de marimba surge a partir de diferentes búsquedas relacionadas con su identidad musical y casualmente, cuando estaba pensando en viajar a África para continuar con esa exploración, se encontró en 2001 en Bogotá con el maestro de la marimba de chonta, José Antonio Torres Solís ‘Gualajo’. 46

Digamos en mi caso, yo conocí por ejemplo la marimba y la música de marimba aquí en Bogotá, es decir, la primera vez que yo vi a un marimbero fue al maestro José Antonio Torres “Gualajo”; él estaba con el grupo “Naidy”, estaba tocando en la Luís Ángel Arango, si eso se puede considerar una migración; él estaba acá, es decir, yo lo conocí acá, aquí fue donde vi la marimba por primera vez, y luego ese primer proceso fue de traer al maestro. Las primeras veces fue de nuevo traerlo, o sea, crear una gestión para traerlo a que él dictara talleres, y luego sí empezó nuestro viaje allá, de empezar a ir al Pacífico, a Cali, a Petronio Álvarez, a Buenaventura, a Timbiquí, a Tumaco […] Yo creo que en ese ir y venir es que se construye lo que nosotros hemos hecho; por ejemplo, me acuerdo del Petronio Álvarez ha sido uno de los viajes así más importantes, y es como un sitio de encuentro muy recurrente, muy importante, para nosotros y para mucha gente, muchos cultores del Pacífico, o para nosotros que admiramos esa música y que vamos a aprenderla y a entender el sentimiento allá (Entrevista a Juan David Castaño. Bogotá, D.C., 20 de marzo de 2014).

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En este camino, Juan David también se cruzó en el XIV Petronio Álvarez en 2010, con la maestra Alba Helena Aramburo del Grupo Buscajá 47 de Buenaventura, de quien ha tomado varias canciones y ha hecho versiones para La Revuelta.48 En este mismo encuentro, se enteró gratamente de que Buscajá estaba desarrollando propuestas musicales similares a las de La Revuelta, encontrando una reciprocidad con esta agrupación en términos de la influencia que gradualmente las agrupaciones de Bogotá y de otras ciudades están ejerciendo en los grupos musicales del Pacífico, producto de la movilidad, el encuentro y el intercambio.

Recuerdo alguna vez, ya en el 2010, después de haber ido varias veces con La Revuelta, después de haber quedado segundos, y ese año íbamos a participar de nuevo, me acuerdo entrar a un ensayo de un grupo que se llama Buscajá de Buenaventura, donde canta la maestra Alba Aramburo, de quien nosotros en La Revuelta tocamos varias temas de ella.

En el ensayo habían montado una puesta en escena con cortes y con unos arreglos, entonces ellos dijeron: “sí, es que ahora venimos con una propuesta, así como la de ustedes”. Él se refería, eso decía el hijo de doña Alba, Néstor, se refería a que venía con una propuesta que tenía cortes y arreglos particulares, y él se refería “a ustedes”, a La Revuelta. Yo en ese momento decía: ve, ellos son nuestros profesores, pero a la vez nosotros los influenciamos también, estéticamente, porque en la esencia ellos traen lo de ellos, pero estéticamente también ellos, como que nos hemos ido retroalimentando, y hoy en día, después de ya esto varios años de trabajo en eso y de ir y venir varias veces, realmente, sí, claramente nos influenciamos, y la música, no sólo nosotros, sino es también un movimiento, y también lo que pasa es que la música está viva, la música tradicional no está quieta por ella en la memoria solamente, sino que está viva; entonces año a año, la música va sonando también en relación, por ejemplo, las grabaciones que hay: las grabaciones influencian muchísimo cómo se toca, cómo se tocaba y cómo se toca ahora, porque ahora hay grabaciones que han creado como unos perfiles y han planteado un repertorio.

Por ejemplo, esos grupos timbiquireños tan importantes como Socavón, Canalón, ellos han influenciado a mucha gente en todo el Pacífico, así sean de otros estilos y de otras regiones: de Tumaco, de Nariño, pero ellos han influenciado muchísimo la música, sí es importante ese movimiento que hay (Entrevista a Juan David Castaño. Bogotá, D.C., 20 de marzo de 2014).

Continuando su camino, este músico llegó al barrio Ciudadela Sucre del municipio de Soacha, donde ya hacía casi 15 años para ese momento (2009), la Academia de Artes Guerrero a través del programa Arte y Juventud por la Paz, de la Fundación Arte y Juventud Sin Fronteras, venía adelantando un proceso con jóvenes, cuyas familias en su mayoría habían llegado a Bogotá y que hacían parte de comunidades negras en condición de desplazamiento. Uno de estos trabajos, que recibió impulso por parte de Juan David, fue la agrupación musical Son de Bellavista,49 con la que Juan David impulso un concierto con toda la agrupación en Quiebra-Canto de la Calle 93, y la participación de John y Martín en la inauguración de la exposición temporal, Del monumento al pensamiento. Patrimonio de Colombia para la humanidad 50 en octubre de 2013, en el Museo Nacional, además de la grabación de varios temas para el lanzamiento de un disco.51 Este acompañamiento fortaleció al grupo y abrió un camino para su consolidación y proyección artística.

Hijos de gente del Pacífico, hay un proyecto que se llama Son de Bellavista, con el cual trabajé como dos años y medio; ya no estoy trabajando ahí, pero es un proceso interesante de hijos de gente del Pacífico, nacidos en Soacha, por allá en un barrio que se llama Ciudadela Sucre, muchos de ellos desplazados, pero los jóvenes no, los jóvenes nacieron allá, pues son gente afro, hijos de gente del Pacífico, entonces son de Soacha.

Eso estaba mediado por una fundación que se llama la “Fundación Arte y Juventud Sin Fronteras”, de la Academia Guerrero, y yo tuve desacuerdos conceptuales con la fundación; digamos, esta es la hora que el proceso continúa, porque hay un proceso humano que no se va a cortar porque el trabajo se paró; de hecho, ellos me están invitando a grabar el segundo disco con ellos, y yo he sido el profesor de ellos, yo creé ese grupo, digamos, creé ese grupo. Allá no había nada, ellos no sabían tocar nada, no sabían tocar música del Pacífico, y en ese proceso del contexto de una clase se armó ese grupo, y ellos tienen un asunto ahí en el ADN y en la memoria ancestral tan tenaz, que lo cogieron muy rápido, y al segundo estábamos componiendo y fue muy rápido, al año y medio estábamos grabando. En este momento ese proceso continúa, pero yo no estoy yendo allá más como profesor; es posible que continúe, no sé bien cómo va a ser la curva de ese proceso, pero hace parte de todo este sancocho de experiencias que hay (Entrevista a Juan David Castaño. Bogotá, D.C., 20 de marzo de 2014).

Otro encuentro importante para Juan David fue con la maestra Inés Granja Herrera,52 música y compositora nacida en Timbiquí (Cauca), con quien ha establecido una estrecha conexión, expresada en el desarrollo de un trabajo musical con la agrupación La Voz de la Marimba y como solista, esto ha posibilitado el viaje de Juan David al Pacífico, de la maestra a Bogotá y de los dos a Argentina y a Brasil, además de la grabación de un CD y el video clip del tema Los Camarones;53 este trabajo ha tenido por objeto visibilizar el trabajo musical de esta artista.

Con Inés Granja, por ejemplo, la conocí en el Petronio Álvarez; desde que yo la vi, dije: ¡wau, qué cantora, qué increíble esta mujer!; Yo le dije: maestra, yo quiero aprender, y además me encantaría poder hacer algo con usted; eso fue hace unos cuatro años, o más. Y en esos cuatro años, ella los primeros dos años fue reencontrarnos cada Petronio, y hablarnos varias veces por teléfono; ella llamaba a decir: “bueno, Juan David, qué, cuándo, qué es lo que vamos a hacer”. Y yo en esos dos años me medio busqué, hasta que ya se dio una situación que fue el trabajo con Julián Gallo, que estaba graduándose de producción en Los Andes, entonces él necesitaba producir una grabación, y ya se dio el asunto de: “bueno, traigamos a Inés, produzcamos estos tres temas, surgió la visión del tema de los camarones, que ella no lo tenía como un tema importante, pero para nosotros era clave que era un temazo, y que había que grabarlo, y empezó digamos una relación de alumno y a la vez de socio, ya con la experiencia que había tenido con Gualajo. Gualajo, por ejemplo, me decía que yo hiciera de manager o de director del grupo, y yo todo el tiempo le dije: no, yo no soy manager, yo soy músico, si usted me quiere decir director, yo hago de director, pero cómo voy a ser yo el director del grupo de mi maestro. Pero con Inés ya la relación fue muy distinta, ya claramente con esa experiencia, ya fue: bueno doña Inés, aquí usted es absolutamente autónoma, y yo también, somos socios, y nos vamos a asociar, y el fundamento de la sociedad es visibilizar su obra; fue el centro, sigue siendo, con ese objetivo grabamos un disco, hemos hecho varias giras, estuvimos en Argentina, estuvimos en Brasil el año pasado y hemos tocado por el territorio colombiano, en Bogotá, y en otras ciudades de Colombia (Entrevista a Juan David Castaño. Bogotá, D.C., 20 de marzo de 2014).

Un trabajo de importancia ha sido llevado a cabo por el músico bogotano Juan Sebastián Monsalve, quien en sus inicios en los 90 integró la agrupación María Sabina, como músico y compositor, y quien en el 2000 crea Curupira. 54

Curupira nació como grupo de investigación de tanto encontrarnos en los mismos contextos, y alrededor de Curupira varios amigos empezaron a contagiarse de ese intento y se empezó a expandir el círculo. Y alrededor de Curupira empezaron a surgir proyectos paralelos de amigos muy cercanos en los que también participaron miembros de Curupira; estos proyectos a los que me refiero son la Mojarra Eléctrica y Tumbacatre, que nacen muy paralelamente al grupo Curupira interactuando, investigando, viajando a los festivales juntos, y en estos dos grupos hay participación de varios músicos caleños con los que llevamos años interactuando y con los que se empezó a afianzar un contacto con las músicas tradicionales del Pacífico, tanto la Mojarra Eléctrica como Tumbacatre. Con Curupira desde inicios del milenio empezamos a participar en el Festival Petronio Álvarez de Cali; éste es el principal festival de músicas tradicionales afrocolombianas del Pacifico (Entrevista a Juan Sebastián Monsalve, Bogotá D.C., 19 de marzo de 2014).

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Curupira se enmarca dentro del movimiento de las ‘Nuevas Músicas Colombianas’, en lo que respecta a la música de los litorales; por esta razón, este grupo establece una conexión desde hace ya catorce años con distintos maestros de diferentes zonas del país, entre ellas el Pacífico colombiano, potenciando sus lazos y puntos de encuentro para el desarrollo de un trabajo mancomunado por la música.

Ahí empieza una interacción directa con músicos específicos como el Maestro Hugo Candelario de Bahía y del Bahía Trío, de la Orquesta Bahía también; con Esteban Copete nieto de Petronio Álvarez, y con el Maestro Gualajo, de la tradición pues de los Torres de Guapi Cauca. Esa fue nuestra principal influencia, y hemos tenido una permanente interacción: grabamos en el 2003, si no estoy mal, un disco con Gualajo como maestro invitado interactuando con él otros maestros como el Cholo Valderrama o con Paito, uniendo músicas de diferentes regiones. En Fruto, que es el tercer disco que grabamos con Curupira, después de eso la primera interacción se ha mantenido; hemos hecho diferentes concierto, giras con Gualajo, así mismo hemos tenido diferentes espacios de interacción con Hugo Candelario, siendo ellos una muy fuerte influencia para nuestra música y en nuestro proceso, así mismo como para toda la escena local bogotana, que empezó cada vez a verse más influenciada por la música, principalmente, pues dos facetas, mejor dicho: en la Mojarra Eléctrica inicialmente se empezó a reflejar muy claramente la música del Pacífico Norte de la Chirimía del Chocó y después, con más fuerza, entraba la música del Pacífico Sur, la música de marimba de chonta teniendo como a estos grandes exponentes de la marimba como los más influyentes, digámoslo así (Entrevista a Juan Sebastián Monsalve. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

En Curupira convergen diversos ritmos, entre los que están, además de las músicas de origen colombiano, el funk, el jazz, el rock, música de la India, entre otras. El papel de esta agrupación y de Juan Sebastián han sido centrales en la exploración sonora y la propuesta de otra música para Colombia y el mundo, en conexión permanente con el Pacífico.

Nosotros hicimos una gira por el Pacifico Sur con Curupira, 55 tocando en las capitales de estas músicas de marimba: tocamos en Guapi, en Mosquera, en Tumaco, recorrimos toda la costa en lancha por los canales y buscando los músicos, interactuando con las comunidades; esto creó más vínculos y contacto directo con los maestros tradicionales de la región y con jóvenes músicos (Entrevista a Juan Sebastián Monsalve. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Además, en 2005, Juan Sebastián crea la agrupación Comadre Araña,56 en compañía de Juan David Castaño; un elemento particular de ésta,57 es la participación de tres voces femeninas: 58 Verónica Atehortúa, Juanita Delgado y Urpi Barco, en formato de Cantaoras, más la voz de la marimbera y percusionista Rocío Medina, característica que le da un color especial a la sonoridad y la puesta en escena. Comadre Araña integra ritmos del Pacífico colombiano con jazz, rock, pop y música electrónica.

Comadre Araña ha sido un proceso muy importante en la formación en el proceso investigativo y creativo de más de diez músicos profesionales que pertenecieron a múltiples proyectos paralelos, que decidimos construir en un proyecto alrededor de la música del Pacífico. La motivación primigenia fue seguir participando en el Petronio Álvarez, en el cual ya habíamos participado con Tumbacatre, Curupira y La Mojarra Eléctrica, varios de los músicos y con otros proyectos decidimos unirnos los que estábamos tan enamorados, los bogotanos tan enamorados de la música del Pacifico, en un proyecto experimental para llevar al Petronio. Reunimos muy intencionalmente Andrés Felipe Salazar, Camilo Velásquez y yo; Camilo es un guitarrita de los Aterciopelados, de Curupira, productor; Andrés Felipe, pues jazzista, director de Bola y Fuego y parte de Curupira; también decidimos convocar a las cantantes con más experiencia, con más conocimientos de la música tradicional del Pacífico, pues en Cali está Liliana Montes y aquí en Bogotá dentro de esa línea habían algunas niñas que ya venían estudiando, yendo al Festival Petronio Álvarez varios años, cantando esa música, yendo a Guapi; entonces escogimos muy cuidadosamente a Lula Cuza, a Verónica Atehortúa que perteneció a La Revuelta y a Veka, Adriana Vásquez pianista y cantante, y surgió algo y Juanita Delgado, que es maestra y virtuosa cantante, y en la percusión a una percusionista sinfónica graduada de la Nacional y profesora tradicional Rocío Medina. Y entonces teníamos como una agrupación de mujeres de muy alto nivel técnico y todas enamoradas de la música del Pacifico, y eso hizo que fluyera un trabajo creativo, pero de un inicio con un carácter sumamente experimental y arriesgado, cosa que hizo que nuestra primera participación en el Petronio Álvarez fuera una muestra, porque realmente no había cabida dentro de las categorías del festival, era como si fuera de la línea general (Entrevista a Juan Sebastián Monsalve. Bogotá, D.C., 19 de marzo de 2014).

Esta agrupación pasó por un receso, pero ha retomado labores en 2014 y se presentó en el mes de enero en el Festival Centro en Bogotá. Actualmente ha lanzado algunos sencillos, que buscan al final convertirse en un disco.

Otra experiencia es la de Mateo Ramírez Molano, creador en 2004 de Tumbacatre,59 con músicos de diferentes lugares del país. Con los años, este grupo se ha consolidado en la escena bogotana, haciendo una mixtura de los sonidos de la chirimía del Pacífico Norte colombiano con funk, rock, jazz, hip hop, entre otros ritmos.

En el 2004 se arma Tumbacatre como tal, y la historia de Tumbacatre, pues de ahí en adelante son 10 años, o sea resumirla es […] ¡cierto! cómo le digo […] Tumbacatre ¿Qué es? fue en principio, gente enamorada de la música del Pacífico y de la música en general, que se puso a experimentar con estos ritmos, a mirar la chirimía, a mirar la música de marimba, cosas del Atlántico también, cosas llaneras y un poco a interpretarlas, a resignificarlas dentro de un contexto urbano que es donde vinimos a encontrarnos, no solo los que estuvimos en Cuba, sino gente del Chocó, gente de Guapi, gente de Timbiquí, gente de Cali, gente de La Calera, gente de la Costa Atlántica; entonces, fue un poco eso, como un diálogo entre músicos de distintas partes, con tradiciones diferentes, unos venían de músicos académicos, otros totalmente empíricos. Básicamente fue eso, como un dialogo entre saberes distintos, entre experiencias distintas e historias distintas (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Mateo inició desde muy niño en la música acercándose a la guitarra; joven, tomó algunos cursos de música en la Universidad Javeriana; posteriormente, fue estudiante de Teto Ocampo; 60 luego, se fue a estudiar música a Cuba entre 1997 y el 2000; una vez retorna de Cuba, se va a estudiar a Francia, pero se cansa de la vida académica allá y se devuelve a Colombia para recorrer las calles y pueblos del país y poderse conectar con las sonoridades en el ámbito popular. Estos ires y venires, hacen que este músico tenga influencias de diferentes corrientes musicales académicas, tradicionales y populares, así como las diversas procedencias de los integrantes del grupo, lo que ha configurado en Tumbacatre una manera particular de hacer música.

Lo primero es que cuando Tumbacatre nace, cuando decidimos organizarlo, ahí hay ya músicos de distintos lugares, hay músicos […] o sea, yo tenía una formación más académica, igual que Samir Aldana que también estaba ahí, pero pues había gente de Quibdó que estaba aquí por razones tan sencillas como buscar mejores oportunidades, que es una manera de desplazamiento no forzado, pero sí inducido por condiciones sociales y económicas; entonces había músicos del Pacífico tanto Norte como Sur, gente del Atlántico, y es con ellos que empezamos a hacer la música (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Para esta agrupación los Festivales son importantes como un punto de encuentro y reconocimiento con los maestros y maestras.

Ha sido fundamental la experiencia en los festivales porque es realmente ahí, detrás del escenario, donde uno se encuentra con los otros músicos ya de las regiones y bebe con ellos, se enfiesta con ellos, toca con ellos, y ahí es donde uno empieza a impregnarse, pues como a entender un poco el sentido de estas músicas; esa es como una parte fundamental en todo este proceso de acercarse a eso, los festivales, y allá uno conoce a los maestros y después entonces vuelve, ya no al festival sino: ¿maestro, será que puedo ir a aprender tal cosa? ¡Si mijo, venga!, etc., entonces y ya cuando ellos vienen, pues uno también los ve, es básicamente eso (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Por medio de los viajes y la asistencia a Festivales es que Tumbacatre ha establecido relaciones con algunos maestros en el Pacífico y se ha configurado como una escuela de investigación, aprendizaje e interacción.

Hemos tocado con ellos dentro de Tumbacatre, pues en Tumbacatre han sido músicos invitados personas como Yassir Enrique Parra;61 es más, él no fue invitado, él estuvo todo el tiempo ahí, que es un maestro del Saxofón de chirimía en Quibdó. Hugo Candelario se ha apuntado a tocar con nosotros, bueno, ha habido bastantes personas. Ahora bien, ya desde ese punto como de buscar cosas juntos, más se ha hecho en la medida en que yo he desarrollado una labor paralela a Tumbacatre de investigación, entonces pues en ese caso me he ido a las regiones, he estado con ellos, entonces se han sacado libros, discos,62 cosas, más que visibilizan lo que ellos tienen, yo creo que es como eso (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Para Mateo, las migraciones han sido de suma importancia en los procesos de constitución y consolidación de las músicas; es una lógica en que ha estado enmarcada la creación y consolidación de éstas desde el origen de los seres humanos.

Pues, de allá para acá es muy evidente, pues porque nosotros estamos trabajando desde un contexto urbano músicas que son rurales; obviamente también las mezclamos con músicas urbanas, pero el impacto de esas músicas en lo que han sido grupos como Tumbacatre o La Mojarra, o bueno muchos grupos, pues es el 70%, sin ellos no podríamos existir, básicamente. De aquí para allá, pienso que también ha sido importante, en la medida en que muchas veces, solo cuando las cosas de una región se valoran en centros de poder, pues las personas de esta región reconocen el valor de eso que tienen, y eso ha […] o sea, al principio uno llegaba a ciertos pueblos y era, como que no le mostraban a uno mucho, y poco a poco la gente, pues han venido más pelados; uno va para allá, o sea, músicos de allá ya empiezan a trabajar con cosas de fusión también, por ejemplo, Esteban Copete 63 con su Kinteto, bueno ahí, eso así en concreto. Ahora bien, yo pienso que realmente el aporte que ha habido de un lado, de cada lado hacía el otro, no es diferente a la historia de la música en general, lo que pasa es que como estas “nuevas músicas colombianas” que ahora así les llaman, o fusiones, o lo que sea, acaban de nacer, pues se están hasta ahora mostrando, pues la gente cree que eso es nuevo, pero realmente la historia de la música es esa en cualquier lugar y en cualquier momento, es gente que se encuentra con otra gente y una viene de un lado y otra de otro y hacen cosas. La chirimía por ejemplo, pues no es más que la apropiación de un pueblo a ritmos tradicionales europeos, con instrumentos europeos, pues como toda la herencia africana, bueno, una cantidad de cosas, pero es historia y de ahí para atrás también, uno llega, las mazurcas que tocan en Chocó europeas, también vienen de los países del este, y así, o sea, esa es la historia básicamente pues de la música, y creo que de cualquier cosa; la hibridación cultural, pues no sé, el encuentro (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Otra agrupación fue Alé Kumá,64 creada por el bogotano Leonardo Gómez Jattin 65 y Fredy Henríquez en 2002 como un proyecto para hacer un disco, como un producto fonográfico; es así como lanzan su trabajo Cantaoras (2002), en el que participaron diferentes cantaoras de los litorales: Gloria Perea (Carmen de Atrato – Chocó) Benigna Solís (Guapi – Cauca), Etelvina Maldonado (Santa Ana – Bolívar) y Martina Camargo (San Martín de Loba - Bolívar). Solo un año más tarde hicieron una gira nacional, pero este proyecto tuvo una serie de dificultades por la diversidad de sitios en que vivían, hecho que dificultó la reunión y movilidad de sus integrantes llevándolo en parte a su desaparición posterior como proyecto.

Solo hasta un año después nos reunimos en los escenarios; hicimos una gira nacional, con un grupo pues que a nivel logístico era muy complicado: vivíamos en cinco ciudades diferentes, a veces los presupuestos de las personas que gestionan culturalmente y que pagan los conciertos no son lo suficientemente cómodos para un proyecto de estas características. Y además de eso, tuvo muchas cosas y muchos tropiezos alrededor de los celos y las cosas que se movían alrededor de cada una de las cantaoras (Entrevista realizada a Leonardo Gómez. Bogotá, D.C., 26 de agosto de 2013).

El trabajo de esta agrupación permitió que estas cantaoras grabaran sus músicas por primera vez en su vida, a excepción de Gloria Perea, que había grabado un vinilo aproximadamente en 1984, y Benigna Solís, que sacó un disco llamado Los Colores de la Tierra con la Caja Agraria y que solo se conseguía en el mercado subterráneo. Otro elemento a destacar es que posibilitó poner en escena la música del Pacífico y del Atlántico e imprimirles una nueva identidad, a partir de la búsqueda de diferentes sonoridades, al incorporarle a la agrupación piano y contrabajo.

Leonardo Gómez continúa en la exploración de otros horizontes, por medio de diferentes procesos de investigación y creación, posibilitando el encuentro e intercambio con los maestros y maestras del Pacífico y otras regiones del país. Su más reciente trabajo María Barilla (2010),66 fue un montaje escénico musical, que representó la vida de la fandanguera de los años 20, 30 y 40 del siglo XX María de los Ángeles Tapias; esta obra transitó por importantes escenarios como la inauguración del XIII Festival Iberoamericano en Bogotá y diferentes espacios del ámbito nacional.


Otras agrupaciones en la escena musical bogotana


En cuanto a música del Pacífico en la escena musical bogotana, han confluido y confluyen otras agrupaciones aparte de las antes mencionadas, entre las que se cuentan: Sóyame la Marimba (constituida en 2007),67 La Phonoclórica (surge en 2009),68 Afrotumbao,69 Pambil,70 Absalón Sinisterra y su grupo Afropacífico (creado en 2010),71 Aluvión (surge en 2009),72 entre otras. Estas agrupaciones han sido de importancia en la configuración del mundo sonoro bogotano y han hecho diferentes recorridos por Colombia y el exterior.

Sus músicas han llegado a Bogotá por diferentes caminos: desplazamiento forzado, procesos investigativos, búsqueda de posibilidades laborales y educativas. Y aunque no fueron el centro de esta investigación, varios de sus integrantes hacen parte de los grupos referidos con anterioridad en esta reflexión. En consecuencia, nombrarlos es fundamental, pues son parte de este torrente de agrupaciones en la capital y han abierto el camino para continuar investigando este tema que no concluye con esta, ni con otras investigaciones.


Viajes a otros países y desde otros países


Otra vía de recorrido de las músicas del Pacífico ha sido el resultado de los viajes que distintos grupos musicales de diversas regiones han hecho a varios países alrededor del mundo, trayendo nuevos aires y sonidos para incorporarlos a las músicas en Colombia. Y de otro lado está la llegada de extranjeros al país, que han hecho parte de agrupaciones de música del Pacífico.

En este camino, un importante punto de confluencia es el municipio de Esmeraldas,73 capital de la Provincia de Esmeraldas en Ecuador, en la cual desde el 2002 se lleva a cabo el Festival Internacional de Música y Danza Afro “Carnaval Esmeraldeño”; en este espacio festivo han participado varias agrupaciones colombianas, entre ellas: La Mojarra Eléctrica en 2002 en el I Festival, Pambil en 2009 en la VIII versión y Sóyame la Marimba en 2011 en la X edición.74 Esmeraldas,75 en el Pacífico ecuatoriano, es parte del Pacífico colombiano, porque hasta allí se extiende el territorio-región. En términos geográficos e históricos existe una profunda relación entre las poblaciones;76 por los lazos construidos desde hace casi 2300 años si se remonta a la época indígena y entre las comunidades negras, desde la llegada de los primeros negros en 1553 al Ecuador, después del encallamiento de un barco que facilitó que diecisiete negros y seis negras liderados por el negro liberto Alonso de Illescas huyeran hacia la selva. Este hecho hizo posible que se adelantara un proceso político y social de la mano de los indígenas en este territorio y originó la conformación de un Estado libre de la colonización española, condición de importancia para el surgimiento y consolidación de esta música en esta zona.

Otros trayectos realizados por estos músicos, además de sus presentaciones en Bogotá y varios lugares de Colombia, han sido por parte de la agrupación Sóyame la Marimba el Gran Concierto Nacional realizado el 20 de julio de 2010 en la ciudad de El Cairo (Egipto), así como otras presentaciones en el mismo mes en Beirut (Líbano) y Barcelona (España). 77 Abasalón Sinisterra realizó un viaje como solista a Argentina en 2011 y en 2014 posiblemente viaje a Brasil.78 Tumbacatre estuvo en Ecuador en 2007 contactado por ACNUR (Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados), para hacer unos conciertos alrededor del día mundial del refugiado en Ecuador en las ciudades de Quito, Otavalo e Ibarra, y en Popayán en Colombia. Kilombo en el 2007 participó en la Feria del libro de Guadalajara en México y posteriormente en 2008, realizó una gira de conciertos en Brasil. 79 Curupira ha tenido varias presentaciones en escenarios y festivales en México, Ecuador, Brasil, y Chile. La agrupación La Mojarra Eléctrica en 2008 participó en el Festival Internacional de las Culturas en Resistencia Ollin Kan (México); en 2009, se presentó en el Festival Colombiage en Londres y en el Festival Viva América, en Madrid - España (al lado de Fito Páez y Víctor Víctor); en 2010, estuvo en el Festival Humanitas en Oaxaca-México, en el Festival La Mar de Músicas en Cartagena-España, en el Festival Pirineos Sur en España y en la Exposición Mundial Shang-Hai 2010 en China, además de una gira por Europa que la llevó a Portugal, Austria, Bélgica y España; en 2011, participó en el XI Festival de Marimbistas de Chiapas, el V Festival de Marimbistas de Tabasco y el VII Festival internacional de Chihuahua, en México. El Grupo La Revuelta en 2008 se presenta en el Festival Internacional de las Culturas en Resistencia Ollin Kan; en 2010 va a Europa participando en auditorios y festivales como el Glatt & Verkerht, Zomer Van Antwerpen y Boom en Austria, Bélgica y Portugal y en 2011 viaja a México para participar en el XI Festival de Marimbistas de Chiapas. 80

Chocquibtown ha realizado giras por Europa, Estados Unidos y América Latina. Además, fue parte del show en vivo en la ceremonia de premiación de la XI entrega de los Latin Grammy en 2010 en las Vegas EEUU, hecho que lo visibilizó en el mundo entero.81

Estos viajes han posibilitado que las agrupaciones radicadas en Bogotá difundan la música del Pacífico colombiano en el mundo, generando importantes puentes con otros grupos y colectivos de música. Los conciertos y festivales en los que han participado han sido espacio para el aprendizaje de otros lenguajes y estéticas, que han enriquecido su música, brindándoles bagaje, referente y contacto con diversos artistas.

A estos periplos y migraciones se suma el hecho de que las agrupaciones de Bogotá también han recibido entre sus integrantes a músicos de otros países; por ejemplo, en la Revuelta estuvo la bajista cubana Anabel Fundora, quien después tocó en Chocquibtown 82 y en Tumbacatre. “A través de sus diez años de recorrido, a este grupo ha entrado mucha gente y ha salido mucha gente, ha habido gente de Cuba, gente de Francia” (Entrevista a Mateo Ramírez Molano. Bogotá, D.C., 15 de abril de 2014).

Y no puede pasarse por alto el papel de Richard Blair,83 músico inglés creador del colectivo Sidestepper,84 con Iván Benavides 85 en 1997. Este artista británico ha hecho un acercamiento a las músicas del Pacífico y el Atlántico desde la mezcla con otros ritmos y beats, y constituye un referente de importancia para una buena cantidad de bandas en Bogotá, por haber sido uno de los que impulsó el camino en Bogotá de la música de ‘fusión’.


Las agrupaciones radicadas en el Pacífico viajan a Bogotá


Otra migración de importancia es la que ocasionalmente han realizado varias agrupaciones del Pacífico a Bogotá para interactuar con los artistas y el público capitalino en diferentes escenarios y bares, entre los que se cuentan Casa de Citas, Quiebra-Canto y Latino-Power, entre otros, así como festivales de música como Colombia al Parque,86 Salsa al Parque y el Festival Centro. Las agrupaciones son La Contundencia (nacida en 1985),87 el Grupo Saboreo (inició labores en 1997),88 Herencia de Timbiquí (creada en 2000),89 el Grupo Bahía (fundado en 1992),90 Mama Julia y los Sonidos Ambulantes (surge en 2008),91 Canalón (nace en 1974),92 el Grupo Socavón (surge en 1999)93 y el Grupo Naidy (se crea en 1998). 94

Estas agrupaciones en su mayoría han circulado por varias ciudades colombianas, han hecho giras por diferentes países y todos han participado en el Festival Petronio Álvarez; este recuento de agrupaciones cierra los circuitos de circulación de los grupos con su música, para acabar de dilucidar sus recorridos y conexiones con otras agrupaciones, entre ellos las bogotanas, donde todas han hecho colaboraciones, conciertos, presentaciones y giras conjuntas, estrechando aún más los lazos de conexión y solidaridad.

Para concluir, hay que decir que las migraciones y la movilidad han sido una constante en la configuración de lo sonoro en el mundo, y la música bogotana y del Pacífico no escapan a esta lógica, que construyó y sigue construyendo géneros, ritmos y aires musicales en el mundo entero; éstos son apropiados y reinventados por las nuevas generaciones, en una realidad en que la práctica musical tradicional y contemporánea no riñe, sino que se alimenta mutuamente para el surgimiento de otra música y otra forma de relacionarse con ella.

La interacción entre las diversas músicas ha permitido el surgimiento, reconfiguración y resignificación de identidades en Bogotá entre las diferentes agrupaciones y sectores de la población, abriendo camino a lo que se ha llamado en el mundo musical “fusión” o mezcla, fenómeno éste, que algunos han hecho ver como algo novedoso, pero que en realidad siempre ha existido, ya que la mixtura de aires, ritmos y géneros mediada por las migraciones, es una constante en la historia humana, que da paso eso sí, a una situación que por un momento es innovadora, posibilita el surgimiento de nuevas sonoridades, que amplían, diversifican y enriquecen las músicas en la ciudad, pero que gradualmente se incorporan al acervo y patrimonio cultural de la ciudad, para reinventarse una y otra vez de manera infinita.95

A este panorama se suman los procesos de patrimonialización impulsados desde algunos sectores de la población y el Estado, que han hecho que estas músicas, sus danzas y expresiones festivas hayan sido declaradas patrimonio nacional o inscritas en la Lista de Patrimonio Inmaterial de la UNESCO. Estas declaratorias han sido un campo de tensión y disputa, ya que están cargadas de ambigüedades: de un lado, visibilizan algunas expresiones musicales y artísticas y les dan un estatus; pero por otra parte, son el camino para la exclusión y marginamiento de agrupaciones y sonoridades que no responden a la lógica patrimonialista.

La incidencia de las migraciones de estos artistas con sus músicas y estéticas, su integración en el movimiento musical bogotano y la retroalimentación con otros artistas y sus producciones, así como su interacción con el entorno y la vida de la ciudad, en relación con su actuar, sentir y manera de ver y entender el mundo y la sociedad, es un fenómeno que hasta hace poco se empieza a explorar.

En este contexto llega música de toda Colombia y el mundo, para que en este crisol llamado Bogotá, se consolide como la música de la ciudad, la música bogotana.

“Recibir” ideas creativamente significa adaptarlas a un nuevo contexto y, más exactamente, implica participar de un doble movimiento. La primera fase es la de descontextualización, descolocación o apropiación; la segunda es de recontextualización, recolocación o apropiación. En este último caso, necesitamos no sólo el repertorio de objetos tomados como propios, sino la lógica de su selección y su uso en la construcción de un estilo distintivo. Los elementos clásicos italianos fueron con frecuencia “resituados”, esto es, dotados de un nuevo significado. Una y otra vez encontramos casos que podríamos denominar “bricolaje”, sincretismo o hibridación (Burke, 2000, p. 17 y 18).

Esta es la razón por la que hoy se puede afirmar que cada una de las distintas herencias sonoras ha aportado un grano de arena a la construcción de un espectro sonoro amplio y atractivo para la nueva generación, presta a asumir cada día su música bogotana con influencias provenientes del Pacífico, de toda Colombia y el mundo.

Bibliografía

Libros:

Burke, P. (2000). El Renacimiento Europeo. Centros y Periferias . Barcelona: Editorial Crítica.

Fundación Contamíname. (2007). Cantos de Desarraigo. Travesía de la Costa Pacífica Colombiana a Bogotá. Libro y CD. Madrid: Fundación Contamíname.

Wenger, E. (2001). Comunidades de práctica. Aprendizaje, significado e identidad. Barcelona: Editorial Paidós.

Artículos:

Cifuentes, A. (2009). Identidad, comunidades y prácticas de la chirimía chocoana en Bogotá. En: Música y Sociedad en Colombia. Traslaciones, Legitimaciones e Identificaciones. Mauricio Pardo Ed. Bogotá D.C.: Editorial Universidad del Rosario.

Tesis:

Ritter, J. (1998). La Marimba Esmeraldeña: Music and Ethnicity on Ecuador's Northern Coast. A thesis submitted in partial satisfaction of the requirements for the degree Master of Arts in Ethnomusicology. Los Ángeles: Universlty of California. Recuperada de: http://www.humanas.unal.edu.co/colantropos/documentos/ritter_marimba1.pdf

Documentos y Leyes:

Molano, A., Restrepo, A. & Molano, M. (2007). De aquí pa allá y de allá pa acá. Informe final de la primera fase del proyecto macro Música y Desarraigo. Travesía de la Costa Pacífica Colombiana a Bogotá. Bogotá D.C.: Inédito.

Entrevistas:

Alejandro Montaña. Bogotá, D.C., septiembre 30 de 2013. Director y percusionista de La Mojarra Eléctrica.

Armando Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 26 de 2014. Director de Kilombo.

Aurora Casierra. Bogotá, D.C. marzo 25 de 2014. Cantaora de Tumaco.

Daira Quiñones. Bogotá, D.C., marzo 9 de 2014. Directora y cantante de Son sin Fronteras.

Entrevista a Juan David Castaño & La Distritofónica (s/f). http://www.mixcloud.com/worldskipthebeat/entrevista-juan-david-casta%C3%B1o-la-distritofonica-colombia/

Ferney Segura ‘La Wey’. Bogotá, D.C., septiembre 29 de 2013. Cantante de La Mojarra Eléctrica.

Jonathan Ortiz ‘Mulato’. Bogotá, D.C., septiembre 29 de 2013. Tecladista de La Mojarra Eléctrica.

Juan David Castaño. Bogotá, D.C., marzo 20 de 2014. Director y marimbero del Grupo la Revuelta. Miembro del Colectivo la Distritofónica.

Juan Sebastián Monsalve. Bogotá, D.C., marzo 20 de 2014. Director y bajista de Curupira y Comadre Araña.

Leonardo Gómez Jattin. Bogotá, D.C., 26 de agosto de 2013. Director y contrabajista de Alé Kumá.

Lucía Ibáñez. Bogotá, D.C., marzo 19 de 2014. Miembro de la Corporación Cultural Sonidos Enraizados.

Marlen Obregón. Bogotá, D.C., septiembre 29 de 2013. Cantante de La Mojarra Eléctrica.

Mateo Molano. Bogotá, D.C., abril 15 de 2014. Director y guitarrista de Tumbacatre.

Urián Sarmiento. Bogotá, D.C., marzo 19 de 2014. Percusionista de Curupira y miembro de la Corporación Cultural Sonidos Enraizados.

Wilmer Guzmán. Bogotá, D.C., septiembre 29 de 2013. Percusionista de La Mojarra Eléctrica.

Páginas web y blog consultados:

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http://www.grupogonval.com/

Lista de Imágenes

Imagen 1: Fotografía entrevista a Daira Quiñones. Bogotá, D.C. 9 de marzo de 2014. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 2: Fotografía entrevista a Aurora Casierra. Bogotá, D.C. 25 de marzo de 2014. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 3: Entrevista a Armando Quiñones. Bogotá, D.C. 26 de marzo de 2014. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 4: Entrevista a Lucía Ibáñez y Urián Sarmiento. Bogotá, D.C. 19 de marzo de 2014. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 5: Concierto de La Mojarra Eléctrica, Parque Metropolitano El Tunal. Bogotá, D.C. 29 de septiembre de 2013. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 6: Concierto Grupo La Revuelta, Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Bogotá, D.C. Noviembre de 2010. Foto: Nelson Cayer.

Imagen 7: Entrevista a Juan Sebastián Monsalve. Bogotá, D.C. 19 de marzo de 2014. Foto: Nelson Cayer

 

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